Auteur : Lola Pirlet

Raconter une histoire nouvelle du musée… à travers « Quadriptyque » de Marie-Thérèse Prégardien

Texte de Mélanie Coisne – Directrice de TAMAT, Musée de la Tapisserie et des Arts textiles de la Fédération Wallonie-Bruxelles
Façade du musée avec les bannière de la nouvelle exposition ” TAMAT on show! La collection du musée dévoilée”

Le 1er juillet dernier et après de nombreuses semaines de confinement, le musée rouvrait enfin ses portes. Au rendez-vous : la nouvelle exposition, intitulée « TAMAT on show ! La collection du musée dévoilée ».

Pour l’occasion, les plus belles pièces de collection sont sorties des réserves, mais pas seulement. Comme le sous-titre de l’exposition l’indique, une attention particulière est portée à la sélection d’œuvres moins connues, peu montrées voire jamais exposées. Parmi elles, figurent aussi des dons et des récentes mises en dépôt. À travers les trois niveaux du musée, le visiteur découvre les acteurs belges de la tapisserie de l’immédiat après-guerre, leurs successeurs et les représentants de la « Nouvelle tapisserie » pour enfin rencontrer ces artistes contemporains qui travaillent le textile à travers l’utilisation de matériaux inédits ou encore de technologies nouvelles.

La scénographie de l’exposition est originale, claire et offre des perspectives intéressantes tout au long des différents espaces.

La signalétique a entièrement été revue afin d’orienter au mieux le visiteur à travers le parcours muséal, y compris des indications pour l’atelier de restauration, le centre de documentation, la salle de lecture ou encore l’espace de médiation.

Au milieu de la première salle s’étend « Quadriptyque », un tapis-chemin dont chaque partie peut être considérée comme une entité indépendante, mais associées les unes aux autres, elles forment un ensemble, un tout.

Marie-Thérèse Prégardien (°Esneux, 1938) n’a pourtant pas de lien direct avec les autres artistes présents dans cet espace (majoritairement liés à Forces murales, mouvement artistique rénovateur de la tapisserie de la fin des années 1940). Par sa position centrale mais discrète, car logée en contre-bas, elle renvoie plutôt vers les autres salles du musée, où le figuratif disparaît au profit de l’abstrait et où les créateurs-liciers, autrement dit les personnes qui tissent leurs propres dessins, s’émancipent et sont reconnus comme des artistes à part entière.


Marie-Thérèse Prégardien (°Esneux, 1938)
Quadriptyque (4 pièces)1987. Lin, laine. Haute lice. 240 x 320 cm
Réalisé par l’artiste
Collection de la Fédération Wallonie-Bruxelles

Aux yeux de l’artiste, cette association équilibrée de couleurs se réfère aussi à son intimité, ses émotions et son être. Cette harmonie est toutefois ponctuée d’ombres et de lumières, de pleins et de vides, évoquant les contrastes et contradictions de chaque individu, propres à tout.e femme et homme.

Cette œuvre amorce l’esprit d’expérimentations qui caractérise les créations d’artistes textiles à partir des années 1990. TAMAT, autrefois « fondation », devenue ensuite « centre » puis « musée », soutient depuis sa création en 1981 la recherche artistique dans le domaine de la tapisserie et des arts textiles.

Cette double mission, qui réunit en une seule institution les volets de création – ateliers de recherche artistique grâce à l’accueil de boursiers-artistes – et de conservation – l’activité muséale en tant que telle, comprenant la médiation, l’étude et la valorisation des collections -, est unique en Belgique. 

Marie-Thérèse Prégardien en est le symbole et son œuvre exemplaire. C’est une des raisons pour lesquelles « Quadriptyque » est visible sur les différents supports de communication: nouvelles bannières et  panneaux explicatifs accrochés à la façade, écran informatif à l’accueil, signature électronique, …

Marie-Thérèse Prégardien suit une formation à l’Académie des Beaux-Arts de Liège pour devenir une licière classique. Dans sa pratique artistique, elle choisit le métier de haute lice comme technique, et le lin comme matériau de prédilection. Son esprit novateur va se manifester dans sa démarche, mise en exergue lors de la bourse de recherche qu’elle mène à TAMAT en 1987 et dont cette pièce est le fruit. Dès les années 1980, l’artiste explore l’application numérique dans ses tapisseries. « Quadriptyque » ressemble à un kaléidoscope (du grec kalos, « beau », eidos « image », et skopein « regarder ») dans lequel la juxtaposition des formes géométriques et couleurs provoquent une diffraction de la perception et de la sensation.

Présentation de l’oeuvre “Quadriptyque” de Marie-Thérèse Prégardien lors de R87

L’effet de pixellisation abstraite rend la pièce universelle, intemporelle, contemporaine et indémodable. Elle constitue le visuel parfait pour illustrer l’identité et les missions de TAMAT, mais surtout la volonté du musée de se renouveler, professionnaliser et dynamiser sans cesse, sa détermination de soutenir les artistes d’aujourd’hui et son engagement de préserver le patrimoine d’hier.

Tamat on show ! La collection du musée dévoilée
du 01 juillet 2020 au 21 février 2021
Tamat – Musée de la Tapisserie et des Arts textiles de la Fédération Wallonie-Bruxelles
9 Place Reine Astrid
7500 Tournai
tamat.be

La pandémie au musée ?

La pandémie de Covid19 impacte de façon inédite notre mode de vie depuis plusieurs mois : confinement, distanciation sociale, règles sanitaires à respectées, fermeture de lieux de vie sociale, réouverture sous condition, lavage des mains, port du masque…

Les musées ont évidemment également beaucoup souffert, mais il se pourrait qu’il devienne aussi les lieux de mémoire de cette situation “historique”. Certains musées, comme le Mucem à Marseille ou le musée de la Ville de New York, s’attachent désormais à collecter des témoignages, tant oraux que matériels, afin de réunir tout ce qui symbolise “la vie au temps du Covid19”.

Pour plus de détails, nous vous recommandons cet article paru sur Slate.fr

A Tournai aussi, le Musée de Folklore et des Imaginaires s’est penché sur la crise sanitaire et à inviter les citoyens à envoyer les masques qu’ils avaient confectionnés eux-même. Une initiative originale qui nous est expliquée par Jacky Legge, chargé de la mise en conformité du MuFIm.

Le coronavirus a complètement gelé la vie du Musée de Folklore et des Imaginaires, avec la fermeture des portes, du 14 mars au 14 juin, ainsi que la mise à l’arrêt du personnel d’accueil et de gardiennage. Bien plus, c’est quasi toute l’économie du pays qui a été suspendue. Les relations familiales, amicales, professionnelles ont dû être entretenues avec des mesures de distanciation. Du jamais connu. Du jamais vécu.

Très vite, on s’est dit au musée qu’il fallait garder une trace tangible de cette révolution, d’autant qu’on ne perçoit pas encore les effets à court, moyen et long terme de cette pandémie.

Des démarches sont entreprises pour solliciter des personnes qui, dans l’urgence, fabriquent artisanalement des masques afin qu’elles offrent un ou plusieurs exemplaires de leur production originale.

La description des masques a été encodée dans le nouvel inventaire électronique du musée mis en ligne grâce à Proscitec.

Mais il s’agit aussi de les rendre visibles au sein des collections. C’est Christopher, jeune gardien, qui suggère de masquer les visages des mannequins. Aussitôt dit, aussitôt fait, avec l’aide de Cyrielle, autre jeune gardienne arrivée récemment dans l’équipe.

C’est ainsi que, le 28 juin, Gramère Cucu se retrouve avec un masque confectionné dans un ancien fanion orné de la cathédrale et cousu sur un morceau de sac en tissu avec le graphisme de Denis Meyers. 

Des masques réalisés avec des tissus aux motifs en forme de crâne sont passés sur le visage du tisserand et du fabricant de bas. Le cabaretier est équipé du masque rouge distribué à Brunehaut.

Sensible à cette idée, le bourgmestre transmet le masque que lui a confectionné une de ses deux filles. Il est orné d’une étoile caractéristique de shérif, en référence à l’un de ses surnoms familiers.

Jacky Legge, chargé de la mise en conformité du MuFIm.

“Enseigne” de Dany Danino

Lors de la première édition de la Triennale d’art contemporain de Tournai, INTERSECTIONS, Dany Danino a réalisé l’oeuvre “Enseigne”, présentée sur le mur d’entrée du Musée de Folklore et des Imaginaires. Cette installation urbaine pérenne est composée de nombreux dessins rappelant des éléments emblématiques de la “cité des 5 clochers” et des objets des collections du musée.

L’artiste nous parle de son oeuvre, de sa technique et de ses inspirations.

Dany Danino “Enseigne”, 2019 – Sur le mur d’entrée du musée de Folkore et des Imaginaires
Photo : Shot and Spicy photography

L’œuvre « Enseigne » est réalisée sur de la porcelaine. Comment appréhender ce support, a-t-il changé quelque chose dans la conception de cette œuvre, a-t-il induit certaines choses ?

La porcelaine s’est imposée naturellement pour la création de ce travail. C’est un vieux rêve qui trouve sa source dans l’esprit des Azulejos du Portugal. Ces faïences me fascinent de par leur coté dense et baroque. Composées de volutes d’azur, elles évoquent l’humanité et son mouvement perpétuel et insondable. La Chapelle des Âmes à Porto ouvrant ses façades, telle un livre au passant, en est l’exemple le plus emblématique à mes yeux.

Ces carreaux de céramique imprègnent mon imaginaire plastique d’inspirations fécondes et répondent à une sublimation poétique.

Sous un angle plus pragmatique, la réalisation d’une faïence nécessite d’en comprendre les enjeux et spécificités matérielles afin de les questionner durant le processus technique.

C’est une connaissance en soi qu’il faut assimiler afin d’en saisir ensuite la résultante plastique. Il en va de même pour toutes les techniques dont j’use (dessin, gravure, lithographie, sérigraphie, peinture, …) et des matériaux qui les caractérisent (stylobille, pastel, aquarelle, encre, huile, …).

Toutes ces techniques, travaillées sur des supports très variés, donnent lieu à des actes de la main hybrides.

Dany Danino “Enseigne”, 2019
Photo : Shot and Spicy photography

L’une des caractéristiques de votre travail est superposition des références, la répétition des motifs
Cette profusion d’images mises ensemble ne permet-elle pas de partir du particulier (ici le folklore de Tournai) pour se perdre dans le général (notre imaginaire collectif) ?
 

J’affectionne les figures qui se complètent, s’additionnent, se saturent, se traversent, se transpercent, appelant un certain enlisement de l’image. La contamination répétitive de la figure peut être réelle ou s’amalgamer tel un phasme jusqu’à devenir in/forme. La distance joue aussi son rôle.

A proximité, certaines choses sont reconnaissables ou à contrario méconnaissables. Le support est permutable, visible sur chacun de ses côtés. La limite entre figuration ou abstraction est fictive : cette détermination ne m’intéresse pas. La facture se matérialise à l’endroit où l’œil parvient non pas à décrire mais à formuler une partition de signes.

En ce sens, la démultiplication des techniques me fascine, tout comme celle des images. Ma curiosité n’a pas de limite par rapport à ce que la main sait et peut restituer. La question des savoir-faire dits « traditionnels » et de leur prolongation est plus que jamais d’actualité.

L’artiste du présent est celui qui poursuit une pratique dans la pleine conscience de l’instant. L’imagier graphique qui jalonne l’œuvre « Enseigne » qui se situe au coin de la rue du Musée du Folklore et des Imaginaires de Tournai est un écho direct au musée et à sa ville. On peut y découvrir : des crânes, des crucifix, la cathédrale, une reproduction du duc d’Egmond de Gallait, des masques du folklore tournaisien, un réverbère, un vierge à l’enfant, des mannequins articulés, … et ce dans une scénographie digne d’une carte heuristique.

A l’extérieur, ces thèmes sont peints sur des carreaux de céramique découpée au format d’un calice de Vauban. Du centre de l’œuvre s’excentre un éclat, un rayonnement qui ouvre la composition vers l’extérieur. Dans l’espace public, la faïence « Enseigne» sur l’intime mémoire humaine conservée.

Dany Danino “Enseigne”, 2019
Photo : Shot and Spicy photography

Présenter une œuvre dans la rue, c’est la sortir de son environnement habituel, ce qui a été le leitmotiv de la première édition d’Intersections, comment avez-vous appréhendé cela ?

La liberté et la palette d’expression qu’« Intersections » m’a permis de mettre en œuvre constituent sans nul doute son point fort. C’est une expérience assez unique dans une vie que de pouvoir sortir d’un espace de galerie, habituellement plus diaphane, et de répondre à 10 lieux divers simultanément.

Ce sont finalement des partitions hétéroclites. Dans chaque espace, un dialogue s’est construit avec le bâtiment, le conservateur et la collection.  Il s’agissait aux Beaux-Arts, au Musée du Folklore et au Musée des Sciences Naturelles de devenir un caméléon, de s’intégrer dans les collections comme si nous avions toujours été là.

Les dispositifs dans ces trois cas utilisaient la structure possible et existante, tout en investiguant l’identité du lieu. Au Tamat et à l’Office du Tourisme, le dispositif était plus proche d’un accrochage dans une gallerie : comment envisager une succession d’images de manière plastico-conceptuelle ? L’église Saint-Jacques est la cerise sur le gâteau, un défi sans mesure, où la répartie monumentale d’un Christ suspendu horizontalement en 3 vélums est en soi la recherche d’un absolu.

Il me semble avec le recul que le parcours et la rencontre sociale et culturelle de tout un chacun avec ces ouvrages in situ fut L’occasion unique d’un parcours initiatique en soi. En ce sens, l’œuvre « Enseigne », située dans l’espace publique de façon définitive, reste à l’épreuve du regardeur au fur et à mesure du temps et des saisons.

Elle constitue aussi une trace immémoriale de la première triennale.

Regards sur la collection du Musée des Beaux-Arts à l’occasion de l’exposition “Plis. Art & Textile”

Texte de Julien Foucart – Conservateur du Musée des Beaux-Arts de Tournai

Vue de l’installation de Johan Muyle (Mon Manège à moi c’est toi, 1991-2020, techniques mixtes, Collection Fédération Wallonie – Bruxelles) et son environnement dans le hall du Musée des Beaux-Arts de Tournai
photo : Robin Legge

Partant de la redécouverte d’une œuvre ou d’une thématique, le Musée des Beaux-Arts met en place une nouvelle série d’expositions proposant des regards diversifiés sur sa collection. Nous invitons des auteurs, des créateurs contemporains, des étudiants ou des commissaires d’exposition à raconter une histoire nouvelle du musée.

Johan Muyle & les étudiants de l’atelier « sculpture » de La Cambre.

A l’occasion de l’exposition Plis. Art & textile et de l’installation de l’œuvre Mon Manège à moi c’est toi de Johan Muyle, nous avons invité l’artiste belge, de renommée internationale, et ses étudiants de la section ‘Sculpture’ de La Cambre (Bruxelles) à intervenir dans l’atrium du musée.

Mon Manège à moi c’est toi fait partie d’une série de sculptures d’assemblages réalisée par Johan Muyle au début des années 90.

Mise en mouvement par un mécanisme électrique, elle est la conjonction de représentations issues de cultures : une copie en plâtre d’une tête de déesse antique grecque – référence pour la statuaire de l’art occidental – est complétée d’une large robe qui, par ses tournoiements, fait quant à elle écho à la culture orientale et ses célèbres derviches tourneurs.

Vue de l’installation de Johan Muyle (Mon Manège à moi c’est toi, 1991-2020, techniques mixtes, Collection Fédération Wallonie – Bruxelles)
photo : Benoit Dochy
Installation des étudiants de l’atelier Sculpture de Johan Muyle à La Cambre
photo : Benoit Dochy

Tournant continuellement sur elle-même, jusqu’à l’absurde, cette sculpture hybride et métissée condenserait-elle l’image d’un monde dans lequel différentes cultures veulent cohabiter mais qui pourtant « ne tourne pas rond » ?

L’intitulé de l’œuvre, emprunté à la chanson écrite par Jean Constantin et popularisée par Édith Piaf, explore d’ailleurs ce rapport à l’autre en confrontant à l’échelle planétaire le sentiment amoureux où l’être aimé « fait tourner la tête ».

Tu me fais tourner la tête
Mon manège à moi c’est toi
[…]

On pourrait changer d’planète
Tant qu’j’ai mon coeur près du tien
[…]

Pour qui elle se prend, la terre?
Ma parole y a qu’elle sur Terre
Y a qu’elle pour faire tant de mystères
Mais pour nous il y a pas de problèmes
Car c’est pour la vie qu’on s’aime
Et s’il y avait pas d’vie même
Nous on s’aimerait quand même

Edith Piaf, Mon manège à moi (1958)

Comme son titre l’indique, cette œuvre dynamique est conçue pour entrer en interaction avec le spectateur mais aussi, comme souvent chez l’artiste belge, avec l’environnement qui l’entoure.

C’est ainsi qu’à l’occasion de l’exposition “Plis. Art & textile”, Johan Muyle a repenseé la mise en place de son œuvre au sein du vaste hall du musée, d’ailleurs conçu par Victor Horta pour accueillir la collection de sculptures.

Dans ce contexte et durant un atelier de deux journées en compagnie de ses étudiants de la section Sculpture de l’Ecole Nationale Supérieure des Arts Visuels de La Cambre, ils ont opéré un choix parmi les œuvres en trois dimensions de la collection. L’agencement déroutant qui en résulte montre la face cachée de certaines pièces du musée et invite le visiteur, déambulant dans les espaces, à se créer ses propres associations.

On pourra sans doute percevoir dans ce parcours original, l’idée, chère à Brancusi, que la sculpture doit aspirer à être « une forme en mouvement ». Les œuvres de Guillaume Charlier, Jef Lambeaux, Jacques de Lalaing, Charles Van Der Stappen ou Georges Minne, choisies pour environner l’œuvre animée évoquent en effet le rôle fondamental joué par le pli ou le drapé pour exprimer la vie et défier la condition statique de la statuaire.

Jacques De Lalaing, L’Orateur, étude pour le Monument Jules de Burlet, Bourgmestre de Nivelles, Plâtre, 1899
photo : Benoit Dochy
Bathélémy Frison, Jeune fille au camée, marbre, n.d.
photo : Benoit Dochy

Du peplos (tunique de femme sans manche) de la statuaire antique au pli « à l’infini » de l’art baroque, le drapé fut sans aucun doute une préoccupation majeure pour les artistes qui traduisent sa matérialité tant sur une surface picturale que dans la dureté du marbre.

« Draperie » est d’ailleurs un mot  appartenant au champ lexical de l’art, utilisé pour analyser et identifier les écoles, les styles, les artistes.  Les drapés constituent dès lors un exercice de style mais sont aussi, bien plus qu’un anodin accessoire, un outil expressif pour les artistes.

Exposition / Collection Plis
Musée des Beaux-Arts de Tournai
Rue de l’Enclos Saint-Martin 3
7500 Tournai
https://mba.tournai.be/

Exposition jusqu’au 13 septembre 2020


Réservation en ligne obligatoire : https://mba.tournai.be/reservation